Sunday, December 13, 2009

Estreno mundial de “Probation”: Y la actriz ganadora del contrato es…




¿Qué aptitudes requería el rol de Yennisleydis, la heroína de “Probation”, la comedia dramática que presentará el productor Franklin A. Blanco en el Area Stage Company at the Riviera Theater, a partir del 12 de febrero del 2010?

Un cuerpo estilizado, con sex-appeal, porque el personaje se formó en la Escuela Nacional de Circo de Cuba.

Una voz escénica profunda, armoniosa, capaz de combinar el uso del vibrato y los resonadores, para estar a la altura de los experimentados intérpretes que encarnarían a Pancho, el anticastrista de sesenta y cinco años que la acoge en Miami.

Una dicción límpida y precisa que le permita explayar toda su cubanía sin caer en el cubaneo.

Una vis cómica importante, porque el personaje tiene un blog donde escribe humor a expensas de las pifias de la sociedad miamense.

Una sensualidad mesurada, que cautive sin mostrar; que sugiera, que obligue al espectador a fantasear los misterios de esta mujer.

Un desplazamiento escénico fluido y elegante, capaz de combinar los movimientos con las estáticas, hacia cualquier vector, en cualquier centro de gravedad.

Se presentaron actrices con mucha fuerza escénica, intérpretes que lo dieron todo, se vieron cosas sorprendentes, desde escenas de una violencia extrema, hasta momentos de una ternura conmovedora, pasando por los monólogos, los soliloquios, las escenas de narración indirecta, donde se fue desde lo subjetivo de una alegoría hasta lo pragmático de un desnudo.

Esta vez no se puede hablar de actrices perdedoras, porque la gran mayoría de las que se presentaron estuvieron muy convincentes, y de ahora en adelante entran en el registro de los posibles de White Apple Tree Productions.

La actriz elegida convenció desde el principio, no solamente por reunir todos estos requisitos, sino por plasmarlos en escena sin ostentación, con una justeza y una humildad digna de los profesionales de larga carrera.

El teatro de Miami recibirá a una de sus actrices más jóvenes y talentosas, una perla rara, de ésas que pueden actuar tanto en vivo como delante de una cámara porque tienen la preparación, la experiencia y el talento.

Señoras y señores, amantes del teatro, gente distinguida y respetable de la profesión: el rol de Yenny será interpretado por la actriz cubana ALI SANCHEZ.

¡Felicidades en nombre de todo el equipo de White Apple Tree Productions!

Friday, December 11, 2009

ENSI: Esta noche se improvisa una pausa refrescante y aterradora.




ENSI es un show en el que tres actores se lanzan al vacío de un escenario para actuar durante dos horas sin texto ni puesta en escena.

Mientras del otro lado de White Apple Tree Productions se prosiguen los castings de “Probation”, en una verdadera batalla donde las armas son el talento, la táctica es ser mejor que uno mismo en cada audición y la estrategia es imponerse en escena y llevarse el contrato; de este lado los actores de ENSI se debaten contra otros demonios.

¿Cómo mantener la curva de la intensidad dramática durante dos horas en un show donde todo ha sido meticulosamente imprevisto?

“Probation” al menos tiene un texto, difícil, controversial, pero un texto; ENSI se escribe en el espacio a medida que va sucediendo.

En los castings de “Probation” los actores parecen estar en competencia entre ellos, aunque en realidad están en competencia consigo mismo; en ENSI los actores son la competencia y los competidores.

Si la intensidad de los castings de “Probation” pudiera evocar la de un combate de boxeo, lo que acontece en ENSI se asemeja más a la explosividad de un match de ajedrez relámpago, y se sabe que la bella Catalina Arenas, la actriz de ENSI, es dos veces campeona panamericana de ajedrez.

Quizás la mayor diferencia entre un actor que actuará en una obra de teatro y otro que actuará en un show de creación instantánea se vea en el camerino, en el calentamiento previo.

A esa hora los roles parecieran invertirse, y los que antes parecían ajedrecistas ahora son verdaderos boxeadores, que sudan en el camerino como verdaderos atletas de lo emotivo, mientras que los actores de teatro ahora parecen ajedrecistas cuya concentración los hace sudar sin mover un músculo.

Todos los actores que han participado en nuestro show de creación instantánea han podido actuar en una obra de teatro, lo contrario no es tan evidente.
El vértigo de lanzarse a escena contando sólo con lo imprevisto suele ser fatídico a los sensibles corazones.

La fórmula mágica para un actor de creación instantánea no está escrita, lo mejor es que sea un actor lo más completo posible.

Es ahí donde Orlando Arias pudiera aparecer como un paradigma del género: clown, mimo, comediante, tragediante (si existe el término), políglota (habla seis idiomas), actor callejero, director y profesor de teatro, el colombiano no solamente es un performer fuera de serie, sino un analista profundo de su oficio de artista.

Yesler de la Cruz aporta al show la lozanía de su juventud, su picardía mulata y multisexual, su capacidad de improvisar monólogos sobre los temas más sorprendentes (el del sincretismo religioso el día de la Santa Bárbara fue un gran momento de teatro), y la plasticidad de su estilizado cuerpo, que a veces parece transformarse de jirafa en hipopótamo.

Catalina Arenas es una agitadora escénica, una anarquista sin bandera al servicio de la complicidad con sus compañeros, que se ríe de ella misma con crueldad, lo que la autoriza a reírse de cualquier cosa o de cualquiera.

Lo más interesante de estos actores es que saben hacer reír y también conmover, el registro de sus posibles parece infinito, y cuando están en estado de gracia surfean de un género teatral a otro con fluidez y eficacia.

ENSI, todos los viernes a las 8 y 30 pm en Aché, Calle 8 y 36 Ave del SW. Con Catalina Arenas, Orlando Arias y Yesler de la Cruz. Un show concebido y dirigido por Yoshvani Medina. Entrada $10.

Thursday, December 10, 2009

Orlando Casín sienta cátedra en el casting de “Probation”, la primera obra sobre el fraude al Medicare en Miami.


Continúan los castings de “Probation”, la comedia dramática de Yoshvani Medina, producida por Franklin A. Blanco para White Apple Tree Productions, que tendrá su estreno mundial el 12 de febrero del 2010 en el Area Stage Company at the Riviera Theater, en la US-1 y la 57 Ave, en Coral Gables.

Entre los actores que hicieron sus audiciones este miércoles se encontraba el experimentado Orlando Casín, uno de los intérpretes más conocidos de Miami, con más de cuarenta años de carrera ininterrumpida en el cine, la televisión y el teatro cubanos.

Casín se presentó por varias razones, todas significativas, aunque no tenía idea del texto que iba a enfrentar.

Había oído hablar de la controversia sobre el casting y se vino ante todo por actitud, “para que vieras que yo sí vengo y me presento”, dijo con su energía apasionada y cubanísima.

A la pregunta “de qué trata la obra?”, el director prefirió que fuera uno de los actores candidatos al rol de Freddy que respondiera.

Carlos Barco dio la patada al hormiguero, el hasta hace poco animador del programa “Escenarios Contigo”, de Miami Latin TV, soltó, con el enigmático humor que lo caracteriza: “Es una obra para buscarse problemas con los viejitos del Versailles”.

Si lo hubiera previsto, el director no hubiera encontrado un mejor detonador para lanzar el casting.

Casín, con la pasión que lo caracteriza, dijo claro y fuerte que él es un artista con posiciones políticas que nunca ha ocultado, y ahí comenzó el primer gran debate de la tarde.

En un momento, uno de los actores se acercó al director y respetuosamente le rogó que empezara el casting, a lo que el director respondió con el mismo tacto: “El casting está andando desde que entramos a la sala”.

En varias oportunidades hubo exabruptos, encontronazos ideológicos, estéticos, formales, conceptuales, Orlando Casín tiene suficiente experiencia y talento como para darse de narices con las tendencias más actuales de la dramaturgia y salir airoso, no sólo emitiendo juicios críticos descarnados, sino adaptándose a una escritura que requiere ductilidad interpretativa.

Casín se alejó magistralmente del cubaneo sin perder un ápice de cubanía, demostrando allí donde lo demuestran los grandes actores, en la escena de un teatro, que es capaz de actuar en diferentes registros, personajes cuya profundidad psicológica los convierte en contradictorios seres humanos, o quizás, en seres contradictorios, profundamente humanos.

Fue Vladimir Escudero, ganador de varios premios de actuación en Cuba, quien encendió la llama de la emoción, al impresionar la sala con su lectura a primera vista del controversial monólogo donde Freddy se lanza al mar sin estar persuadido de la conveniencia de su gesto.

Se leyeron escenas y monólogos del texto, se improvisó lo que se leyó, se debatió la obra desde el principio hasta el final, sobre todo el polémico final contra el que volvió a insurgirse Casín.

“No puedo improvisar esta escena final si no comprendo antes por qué mi personaje reacciona así”, dijo el actor cubano, que tiene un contrato de publicidad con una de las clínicas más conocidas de Miami.

Varios actores improvisaron las escenas con Casín, no hubo una que no se convirtiera en una batalla campal, en un “tour de force”, donde las aceleraciones del puertorriqueño Miguel Sahid fueron tan conmovedoras como las lágrimas de Carlos Barco.

La interpretación de Casín en la escena final de la obra fue un modelo del género, ni la fuerza de la presencia escénica de la escultural Everlayn Borges, ni los contraataques de la actriz cubana, lograron fisurar el si mágico que el cubano se propuso.

Tres horas después bajaba de escena Casín, incólume, como un boxeador que acaba de ganar por knockout en el último round, feliz de haber desatado en escena un vendaval de ideas y sentimientos surgido de sus tripas y de sus convicciones.

La escena del Area Stage Company at the Riviera Theater se quedó caliente, esperando las respuestas de otros actores como Mario Salas-Lanz, Franco o el propio Ramoncito Veloz, que no vacilarán en plantar en escena todo el peso de su talento y de su inteligencia, y que, siendo quizás más contenidos que Orlando Casín, llevan esta profesión en los genes, en el mismo lugar de sus convicciones.

Tuesday, December 8, 2009

Estreno mundial de “Probation”: El casting que causa controversia en Miami.


Para su debut en la escena de Miami, White Appel Tree Productions, la empresa presidida por el abogado y productor norteamericano de origen cubano Franklin A. Blanco, ha decidido convocar a un casting.

Un casting para designar los roles de “Probation”, la comedia dramática de Yoshvani Medina que, en una puesta en escena del autor, será estrenada el 12 de febrero del 2010, en el Area Stage Company at the Riviera Theater (US-1 y la 57 Avenida), en Coral Gables.

Se trata de un simple casting, como los que se realizan en cualquier parte del mundo cada vez que se monta una producción profesional.

La iniciativa ha tenido sus detractores y sus seguidores entre los intérpretes de la ciudad, mientras unos se han presentado al casting y han hecho gala de su talento, otros han declinado la invitación, deseándole buena suerte al proyecto.

“Si me desea, para qué me prueba?", dicen algunos actores, la respuesta es diáfana: "Es porque lo deseo que lo pruebo".

A fin de cuentas la obra se llama “Probation”.

Los actores que se presentan al casting tienen la posibilidad de compartir con el director, y de exponer sus puntos de vista sobre los personajes y sus conflictos; cada audición es un verdadero intercambio que vierte luz sobre la historia que cuenta la obra, intensidad sobre sus escenas, y confianza y humanidad sobre los colegas de una profesión demasiado expuesta a la competencia salvaje y a los golpes bajos.

Los actores que no se presentan lo hacen por varias razones, todas comprensibles.

Unos no se presentan porque no conocen al director ni al productor, entiéndase: "si no eres conocido no tienes derecho a mi talento", o "si no eres conocido no tienes derecho a existir", lo que equivale a negarle a nuestra profesión el lógico relevo generacional, el oxígeno renovador que se necesita en cualquier plaza.

Si no eres conocido de quién? Si no eres conocido dónde? Un tal razonamiento equivaldría a negar que el teatro contemporáneo de hoy pudiera ser el clásico de mañana.

Otros se niegan tácitamente a presentarse a un casting, “si el director quiere verme, que alquile un DVD con mis películas”; o “si está convencido de que soy yo el actor que busca que me contrate, de lo contrario que se busque a otro”.

Estas actitudes no dejan mucho espacio al diálogo, ceder ante un actor que toma una tal posición sería poner el destino de la producción en manos caprichosas, frágiles, inseguras.

Un actor que pone condiciones, que impone reglas, que no acepta ser dirigido, es generalmente alguien que le teme al riesgo, al ridículo, lo que constituye la antípoda de la esencia del intérprete.

Hay un viejo axioma en esta profesión que vale la pena tener en cuenta: los actores actúan, los directores dirigen.

Cuando un actor siente que la producción está a su merced y no a su servicio, el fracaso anda rondando cerca.

Otros no se presentan porque oyeron decir que la obra será muy polémica, y que quien actúe en ella verá su carrera tronchada en Miami.

Otros han tenido la oportunidad de leer el texto y no se presentan por una de las razones expuestas antes, o sencillamente porque no lo hayan interesante.

Vivimos en un país libre y democrático, un actor tiene derecho a no presentarse a un casting si no lo desea, y un escritor tiene derecho a escribir la obra que desee, incluso si se perfila como una bomba de tiempo devastadora, capaz de causar inopinados daños colaterales.

Se sabe que los dictadores le rinden el mejor honor al teatro, porque lo censuran; y se sabe también que los que tratan de maleficiar una obra invocando su peligrosidad, le hacen la mejor de las propagandas.

En lo que concierne la utilidad de un casting, ello evita errores de selección imposibles de corregir una vez que los ensayos han comenzado.

En la profesión teatral el éxito de ayer no garantiza el de mañana, y un director puede adorar un actor que ha visto en otra obra, pero a la hora de dirigirlo pudiera constatar que no es igual, que algo fundamental se ha perdido.

Los castings no sólo permiten a los productores encontrar el actor ideal, sino a los actores encontrar el productor, el director ideal.

Desde que un actor entra a un casting también está evaluando la producción, la idoneidad del lugar, la organización, el grado de conocimiento y profesionalismo del director.

Mientras más talentoso sea un actor, más se protege yendo a un casting, porque puede catar la dimensión artística del equipo de producción.

Es una garantía para la profesión que cada nueva obra que se produzca convoque a un casting, porque esto aporta transparencia y abre oportunidades para todos: tanto los nuevos talentos, como los actores experimentados.

El actor es, a nuestro parecer, el elemento más importante del teatro, con la llegada del actor comienza el verdadero trabajo escénico, sólo en ese momento la labor del escritor saldrá de su gaveta literaria para tomar su verdadera forma.

Un actor debe continuar en escena el trabajo que ideó el dramaturgo en la soledad de su cuarto.

El casting es un momento de exploración entre el actor y el director, donde cada parte tiene interés en que se produzca el sortilegio deseado, el amor a primera vista que les dará la vitalidad y confianza necesaria para afrontar el proceso de creación.

El productor que convoca a un casting abierto está enviando un mensaje claro a la profesión: lo vamos a hacer, nadie nos va a parar, lo haremos empuñando los valores más sagrados de este oficio: respeto, perseverancia y humildad.

Lo haremos, entregaremos el mejor teatro que somos capaces de hacer, gústele a quien le guste y pésele a quien le pese.

“Probation”, comedia dramática escrita y dirigida por Yoshvani Medina. Producida por Franklin A.Blanco. Relaciones públicas: Lázaro Cruz. Diseño de vestuario: Alberto Leal.

Castings hasta el sábado 12 de diciembre.

Más información en yoshvani@yahoo.fr y whiteappletree@yahoo.com

Monday, October 19, 2009

“Chamaco”: La novísima dramaturgia cubana planta bandera en Miami a ritmo de teatro repleto y standing ovation.


Da gusto ver un teatro repleto, aplaudiendo de pie unos actores que se lo jugaron todo a una sola carta, y que al final salieron engrandecidos, porque lo que no te mata te hace más fuerte.

Qué lejos está “Chamaco” de un teatro convencional, un teatro facilista, monotemático, profundamente burgués y poco riguroso, un teatro sin swing que pena por cualquier ciudad como un fantasma.

“Chamaco” es un tsunami silencioso y devastador, que acontece una vez por semana en Miami, convocando un par de centenas de espectadores que se la pasan con el impulso torvo y la pupila insomne.

“Chamaco” inquieta y seduce, cuestiona y denuncia, apunta y dispara y es el público de Miami quien cae a sus pies, agradecido.

El espectáculo es un éxito por vías naturales, o sea, por el imperfecto y doloroso camino de la concepción, sin anestésicos ni eufemismos.

Dice un axioma de esta profesión que quien pueda explicar el éxito de un espectáculo es capaz de repetirlo, yo creo que no hay fórmula para el éxito en teatro, porque un creador que vaya “al seguro” exime de su juego el riesgo y la sospecha, que son los componentes principales del hechizo.

No creo en las fórmulas, por innegables; ni en el azar, por etéreo; ni en el estilo porque es el plagio de uno mismo.

Creo en el ruido de la música que es un poco el encanto de “Chamaco”: una mezcla de bulla y concordancia, un sortilegio imperfecto, profundamente humano.

La imperfección que primero salta a la vista es el desbalance en el casting a nivel del fraseo y la entonación.

Si la dicción de Juan David Ferrer es justa, sin dejar de ser cubana, otros actores se aventuran en “cubaneos” disonantes, olvidando que el que habla en escena como en la calle desentona tanto como el que habla en la calle como si estuviera en escena.

Jóvenes actores: recuerden que en teatro no se trata de ser verdaderos sino verosímiles.

No soy partidario del ambiguo concepto de “acento neutro”, cuando éste busca parecerse a cierta nacionalidad, soy un defensor de la lengua castellana, que debe ser escrita y pronunciada con todas sus letras, lo que constituye el mayor enemigo del actor cubano.

En teatro no se grita, proyectar de golpe un transfer de resonadores hacia lo más alto de la cabeza puede dar un resultado sonoro más eficaz que un grito.

Lo más difícil para estos jóvenes actores es lidiar en una escena con el fraseo de Juan David, que les envía señales en una frecuencia completamente diferente a la que ellos están trasmitiendo, lo que los hace sonar, por momentos, terriblemente aficionados.

Otra imperfección que salta a la vista es toda la parte central de la escena, que es completamente “anti-jeu”, las sombras de los actores que entran por el centro delatan su presencia a contratiempo, robando la atención del público, y rompiendo la ilusión.

Sin embargo, ya la tela de araña de Alberto Sarraín está puesta en escena, y por los huequitos antes mencionados no se escurrirán los corazones del público.

La música, exquisita, es un plano aparte que insufla densidad y misterio a la atmósfera; la dama del parque, fantasmagórica y omnisciente, es un leit motif que cataliza la acción dramática, acentuando el suspenso y preparándonos para lo que vendrá.

El texto ha sido (des)montado en un sistema de gavetas que avanza cambiando los puntos de vista del narrador-actor, cuando esta maquinaria dramatúrgica arranca (unos treinta minutos después del comienzo), el ritmo se acelera, las escenas se suceden trepidantes, la acción se revela como en fuga de la pluma de Melo, que no es el mejor dialoguista del mundo, pero que estructura muy bien y sabe activar, al punto de que la obra carece de tercer acto dramático, pues termina en el clímax.

Al texto le sobra una escena: la del padre, el hijo y la “presencia” de Kárel, que no aporta nada nuevo; unas páginas del principio, donde la acción se dilata y el pulso le tiembla al dramaturgo para adentrarse en la poética del horror, y unas cuantas canciones, que al final rozan la monotonía, subrayando lo que ya se ha comprendido.

Sin embargo, estamos en presencia de un verdadero dramaturgo, de esos que dosifican las grandes tiradas con las escenas colectivas; de los que saben insinuar, de los que denuncian sin ceder a la histeria ni al panfleto; de los que emplazan la poesía lírica paralela a la curva de la intensidad dramática, en una figura cóncava, cerrada, como los muslos de un amante que se desea.

Uno de esos raros poetas escénicos que saben matar sin remordimiento, como el estilete del verdugo que con sus palabras esculpe el silencio.

La trampa bordada por Abel González Melo se traducirá en un universo voluptuoso e intimidante por la mano con varita de Sarraín.

Hacía falta un traductor capaz de transpolar al espacio lo que Melo había escrito en el papel, un lobo de mar del teatro que llevara el navío a buen puerto, imponiendo serenidad e imaginación, precisión y magia, y Alberto Sarraín se reveló el hombre de la situación.

Alberto Sarraín planta una puesta a la altura de cualquier escena nacional de Europa, de cualquier teatro de Broadway, brega con una escenografía a medio camino entre la grandilocuencia del teatro de gran formato y la exigüidad de espacios que evocan el enclaustramiento de personajes que parecen vivir en apnea.

Seguramente se le acabó el tiempo y no pudo dirigir mejor a sus actores más jóvenes, estoy seguro que sacará más matices a Tamara Melián y a Lian Cenzano en los días que vendrán, porque un director es un pedagogo, que siempre puede decirnos más sobre la materia que ha creado.

Si actuar es comprender, dirigir es traducir.

Alberto Sarraín triunfa con “Chamaco” gracias a su profundo trabajo de traducción del texto de Melo, y se sabe que no traduce bien quien no es capaz de crear lo que traduce.

Adrián Más surgirá de ninguna parte en la piel de un Karel Darín, protagonista por la ley de la dramaturgia que dice que un protagonista es aquel personaje que vive más conflicto.

Para este humilde servidor, el verdadero protagonista (en el sentido griego de actor jefe) del espectáculo es Juan David Ferrer, que dicta el tempo de la obra, utilizando todo lo que no se ve (silencios, transiciones, cambios de ritmos) y actuando de pívot en muchos momentos claves del espectáculo.

De sus enfrentamientos con Juan David Ferrer, Adrián Más saldrá airoso, un ojo experto pudiera calcular sus años de training como mimo y actor; su voz particular caracteriza un joven habanero, a la deriva entre su profesión de “pinguero” ajedrecista, su vocación de delincuente mediocre y su necesidad de encontrar en qué o en quién creer.

Algunas de las escenas de combate sonaron falsas, con patadas en el piso y gruñidos que raspaban el “ham acting”, sin embargo, hay muchos momentos en que los cuerpos se zafan de sus amarras interiores y se ponen a flotar en el espacio.

Juan David Ferrer y Adrián Más funden sus burbujas sin tirones, produciendo sutiles efectos de actualización, donde se grafica una pared a la que están recostados, se sugiere una sensación y hasta se descompone una acción física para trufarla de sentimiento(s).

Expectación general: cada espectador vive su homosexualidad a su manera, compartiéndola con la de los personajes que, a su manera, viven su espectador.

Personalmente, viví mi homosexualidad con el travesti La Paco, lo deseé, fantaseé con sus muslos y me introduje en su universo por el hueco de su boca.

Reconocí en Orlando Casín a muchos “viejos maricones” de mi vida, me reí como todo el mundo con su vis cómica excepcional, y comprendí que el experimentado actor fue mucho más eficaz cuando no enseñó su abanico de plumas.

El policía de Lyduán González tuvo momentos brillantes y otros de sobreactuación, muchos más los primeros que los segundos, en los momentos en que escondió su violencia lució mucho más violento.

Y es que el actor que esconde obliga al espectador a fantasear la información que falta.

A parte de quién uno es, de dónde viene, qué es lo que quiere, cuál es el medio para obtenerlo y sus obstáculos, un actor tiene que tener bien claro lo que esconde, y en los momentos en que Lyduán “cubanea”, caricaturiza.

Joven intérprete de excelente dicción, presencia y desplazamientos escénicos, Lyduán González aprenderá muy pronto a contener sus bríos, y enfrentará los roles que sus posibilidades le permiten ambicionar, a condición de que no olvide que el actor se proyecta en el espacio en forma de escritura escénica, y quien sobreactúa gestualmente comete un solecismo con el cuerpo.

Tamara Melián lució muy bien en la escena donde llega a la casa de Adrián Más, colocando su voz con precisión y entregando su cuerpo menudo, mientras sus cabellos negros se fundían con la humanidad de Más (con mayúscula), dándole plasticidad al momento.

El éxito de “Chamaco” prolongado durante varias semanas, su elevado porcentaje de concurrencia por noche, su alto nivel artístico, lo convierten en un espectáculo de referencia en este principio de temporada.

“Chamaco” es un poema dramático sobre la Cuba de hoy, tratado con una dimensión universal y bajo un ángulo inusitado.

Hay muy pocas cosas en la vida por las que vale la pena prostituirse por $30, cosas que te ponen el anhelo sagrado y te hacen dormir con el párpado abierto, “Chamaco” es una de ellas.

Monday, October 12, 2009

"Esta noche se improvisa", espectáculo de un nuevo género: la creación instantánea.




Decir que “Esta noche se improvisa” es un simple espectáculo de improvisación sería reductor.

“Esta noche se improvisa” es un espectáculo que se escribe en el espacio al mismo tiempo que va sucediendo, lo que lo conecta con las más actuales tendencias escénicas y dramatúrgicas.

Idear un espectáculo que se crea al mismo tiempo que sucede es un reto que han asumido algunos de los grandes nombres de la escena mundial, como los barceloneses LA FURA DELS BAUS, en su polémico espectáculo “Obit”, o los belgas LA FABRIQUE IMAGINAIRE, con su sorprendente “Voyage 1er épisode”.

Se trata de que el espectáculo tome forma de manera imprevista, comprometiendo al público gradualmente hasta que el final dependa de su decisión.

Los nudos dramáticos son sugeridos por los espectadores, hay remates que se convierten en running gags, y toppers que se convierten en ganchos, porque en cualquier momento el público o el árbitro pueden darle un nuevo impulso a la historia, cambiándole la época, la locación o el estilo, introduciendo o sustrayendo personajes e, incluso, desplazando la acción hacia la sala, donde público y actores se mezclan en una escena inesperada.

Los actores de “Esta noche se improvisa” ni son humoristas ni hacen humor, la risa está omnipresente en el espectáculo porque el ser humano adora reírse y el show presupone conectar las pulsiones más profundas de los actores y los espectadores.

Pero ante todo son actores actuando un espectáculo de teatro, un espectáculo de creación instantánea, donde están presentes las composiciones escénicas, las alegorías, los efectos de deconstrucción, la ironía dramática, la parodia, el teatro dentro del teatro, el monólogo, el soliloquio, el monólogo interior, el quiproquo y donde se tiene el pudor de no hacer alarde de la técnica.

La risa es quizás la pulsión más agradable que se pueda experimentar, de la misma manera que el sexo, no por azar el público ha pedido tanto sexo: desde temas que han tenido que ver con la masturbación, el sexo entre homosexuales, las escenas de recién casados en luna de miel, el sexo en impesantez en el espacio, y otras situaciones descabelladas que implican relaciones sexuales.

Pero el público también ha pedido dramatismo, y cada vez que ha habido una escena dramática, la intensidad emocional se ha disparado en la sala.

La última vez un espectador pidió una improvisación sobre el monólogo de la Luna, de Lorca, y Vivi Rubi propuso un monólogo interior apasionante, servido con acento andaluz y acompañado de unos lagrimones veraces, un momento de puro teatro.

El "binólogo" sobre el origen de las razas, hablado por Yesler de la Cruz y mimado por Orlando Arias, fue uno de los momentos más brillantes que se han vivido en el show; el público, dominado por la vis cómica de Yesler y el apoyo mímico de Orlando, se dejó llevar en una espiral de risas condicionada por la avalancha de gags visuales y verbales de los actores.

El momento donde el árbitro ordenó a los actores perforar la cuarta pared e ir a componer una orgía colectiva con el público fue un momento increíble de complicidad, resuelto de una manera sorprendente.

Se sabe que un espectáculo así es diferente cada noche, pero su estructura pudiera ser la misma, otra de las características de “Esta noche se improvisa” es que hasta su estructura cambia cada vez, lo que tiene el don de divertir el público y aterrorizar ciertos actores.

Los actores de “Esta noche se improvisa” han vivido tantas situaciones difíciles, se han visto confrontados a tantos temas imposibles, que ahora, mientras más peliaguda es la situación, más les excita el desafío.

Para actuar en ese espectáculo hay que estar niño de remate, hay que ser un kamikaze teatral, un terrorista escénico, hay que llevar esta profesión en la sangre como una bendición y no como un oficio.

Estos actores no se han equivocado en el proceso: primero hay que vivir para esto antes de querer vivir de esto, es la única manera de terminar viviendo de esto, sin perder el respeto y la admiración de un público que sabe bien la diferencia entre la magia y los trucos.

En la imagen, de izquierda a derecha: Vivi Rubi, Osvaldo Strongoli, Catalina Arenas y Gualberto González, foto Carolina Lorusso.

Sunday, October 11, 2009

“El Acompañamiento”, un texto sublime actuado por actores en estado de gracia.


Este sábado se estrenó en el Teatro América la obra “El Acompañamiento”, ante una escuálida concurrencia de apenas veinte personas.

Al final parecía que los aplausos eran los de una sala repleta, la standing ovation fue general, unísona, conmovedora.

Un señor del público, que no había venido al teatro en largo tiempo y que no conocía los actores, ni la obra, ni los dueños del teatro, dijo unas palabras elogiosas para el espectáculo, por un momento los espectadores parecieron quedarse en apnea ante la intensidad de las palabras del hombre, y otro aplauso sobrevino y otra muchacha se animó a poner palabras sobre los sentimientos y sensaciones que los actores le hicieron experimentar.

El dueño del teatro, traicionado por la emoción, perdió la voz al decir unas frases finales de agradecimiento al elenco.

Y es que los actores Gualberto González y Osvaldo Stróngoli estuvieron en estado de gracia, entregando un par de personajes a medio camino entre la parsimonia de Chéjov y ia interioridad de Tennessee Williams, con un poco del mejor humor argentino, de la mejor música argentina, del mejor teatro argentino.

La puesta en escena se rigió por el axioma de que la técnica es todo lo que no se ve, y la mayor parte del tiempo “El Acompañamiento” da la impresión de que no tiene puesta en escena, es un universo realista, que propicia y alimenta la ilusión.

Quizás los buches de las gárgaras de Tuco, a veces nos recuerden que no es la vida, quizás a Stróngoli se le escape en algún momento el centro de gravedad en la postura de su personaje, pero el noventa y nueve por ciento del tiempo uno tiene la impresión de estar asistiendo a un universo impresionantemente humano.

El texto de la obra es un camino trufado de minas, que explotarán una a una en el corazón de los espectadores, hasta aniquilarlos emocionalmente con el último efecto de puesta en evidencia, que funciona preciso y que los dejó con la boca abierta y los ojos inundados.

“El Acompañamiento” encontrará su público la próxima semana, con la condición de que éste se entere que una tal obra está en cartelera.

Para ello, el nuevo equipo del Teatro América tendrá que adentrase en la jungla del marketing y la comunicación, con el mismo entusiasmo y talento con que se han lanzado al vacío espacio de la escena, para decirlo con Peter Brook.

Ningún medio será eficaz ni suficiente si no se inserta en una táctica y estrategia definida con anticipación.

¿Qué quiere el Teatro América?

Para sobrevivir como establecimiento nocturno, le bastará con atraer cualquier tipo de público que quiera gastar su dinero a cambio de pasar su tiempo en un lugar acogedor y limpio.

Para triunfar en la escena de Miami e imponerse como un teatro de referencia, tendrá que salir a seducir un público capaz de comprender la programación del teatro.

Identificarse es comprender, y para que el público comprenda y se identifique con un teatro, éste debe tener una programación fácilmente legible, comprensible e identificable para con ese público.

El Teatro América tendrá que asumir la emulación con una profesión que sangra, pero que tiene valía, tradición y muchísimo deseo, en esta temporada 2009-10, que promete ser un crudo excepcional para el teatro de Miami.

Hay una gran diferencia entre emular y estar en competencia: emulan los que toman un camino juntos y se las arreglan para llegar a donde quieren lo más rápido posible sin que el éxito de uno dañe el éxito del otro (estoy seguro que el éxito de "Chamaco", en el Teatro Trail, sólo puede hacerle bien a nuestra profesión).

Están en competencia los dealers, los bares y las tiendas, el teatro no es una botica sino un templo, y el Teatro América sólo puede estar en competencia consigo mismo, sólo debe tener el objetivo de ser cada día mejor que él mismo.

Por el momento la programación del Teatro América es variada: los viernes, un espectáculo de creación instantánea: “Esta noche se improvisa”; los sábados y domingos, una comedia dramática: “El Acompañamiento”; los jueves, un programa de participación de talentos: “La noche de Adrián”.

A primera vista la programación tiene una lógica, por el momento su coherencia y eficacia no están demostradas, y tendrán que serlo en un futuro inmediato.

Una cosa es cierta, cuando Osvaldo Stróngoli, director de “El Acompañamiento”, salió del América feliz de su triunfo artístico y un poco decepcionado por la poca cantidad de público que vino a verlo, pasó delante del Teatro Trail y vio una multitud de espectadores que salían de ver la obra “Chamaco”.

Stróngoli debió preguntarse por qué “El Acompañamiento” no encontró su público desde la primera función, como lo hizo “Chamaco”.

La respuesta, señoras y señores, el Teatro América deberá encontrarla muy pronto, antes que los reflectores de los medios no se le enfoquen directamente y sin piedad.

Friday, October 9, 2009

Teatro América: ¿quién pagará los platos rotos?



El Teatro América pretende funcionar todos los días de la semana, proponiendo espectáculos artísticos y/o veladas culturales.

Hay una gran diferencia entre cultura y arte, si la cultura parece estar más cerca de la información, del conocimiento, el arte está indisolublemente ligado a la emoción.

La cultura suele ser un compendio de lo mejor de nuestro pasado, que tratamos de perpetuar en nuestro presente; el arte, aunque haya sido creado en el pasado, suele echar luz sobre nuestro aquí y ahora.

La programación del Teatro América está dirigida a todas las edades, a todas las nacionalidades, pero sería pecar de triunfalista pensar que todos los proyectos encontrarán su público al mismo tiempo, sin que nadie pague los inevitables platos rotos.

El regreso de Alfonso Cremata deberá traer al teatro la generación del exilio histórico, esos cubanos que durante cuatro décadas siguieron el trabajo del binomio Ugarte-Cremata, y que a la muerte del primero y el alejamiento de la escena del segundo, se replegaron en una posición de stand-by que hoy dura más de tres años.

No ha habido en Miami un teatrista, una compañía, un teatro, un proyecto escénico que haya sido tan consistente, prolífico y que haya atraído más público que el binomio Ugarte-Cremata, que compiló más de doscientas obras de teatro en 39 años de labor.

La estrategia del Teatro América es la de propiciar el reencuentro entre Cremata y su público, en la misma escena donde tantas veces triunfó “Cuca la balsera” y otros paradigmas del bufo de Miami, que tanto éxito y dinero le reportaron a sus creadores.

Las interrogantes son varias:

¿Podrá Alfonso Cremata igualar los números del binomio Ugarte-Cremata?

¿Tres años y medio es suficiente para enfriar el deseo de un público de reencontrar a su ídolo?

¿Se rodeará de actores experimentados y conocidos o escogerá un elenco de actores de su confianza, menos mediatizados?

¿Se adaptará a trabajar en equipo, con otros espectáculos y actores que deben coexistir en el Teatro América?

La respuesta la tendremos el 7 de noviembre, día del estreno de “Cornudo pero contento”, la nueva producción de Alfonso Cremata.

Por el momento Alfonso Cremata goza del status de carta de triunfo del América, y su regreso será sin dudas, un momento importante en la historia de la escena de Miami

Otro suceso mayor que trae el Teatro América es el regreso a las tablas de Ramoncito Veloz, el actor cubano protagonizará la comedia “Emergencias”, de Lázaro Rodríguez, bajo la dirección de la maestra Miriam Lezcano, una de las directoras de teatro más importantes de los últimos 30 años en Cuba.

El elenco lo completan actores de la talla de Orlando Casín, Denise Sánchez y Vladimir Escudero.

La producción liderada por Ramoncito Veloz tratará de conservar el público de Cremata, y de seducir a los cubanos `que llegaron más tarde y que siguieron a Ramoncito en Cuba por más de veinte años.

“Emergencias” trata de las vicisitudes que pueden vivirse en una sala de emergencias de un hospital en Cuba.

Si “La noche de Adrián Mesa” parece prometida al éxito, pues a cada velada dobla el número de espectadores, no es menos cierto que el triunfo por el momento está circunscrito a la comunidad cubana de Miami, y a un target que oscila mayormente entre 40 y 60 años.

El objetivo del espectáculo es llenar el teatro, con los espectadores que vengan, no importa cuál sea su edad ni su país de origen.

Pero por sobre el objetivo de un espectáculo deberá ponerse el objetivo del Teatro América, que tiene interés en seducir a un público lo más general posible, pues todo sectarismo pudiera resultar reductor.

Y es que Miami ha cambiado, hay que contar con un público de otras nacionalidades, un público que también es inteligente, cultivado, amante del buen humor, que tiene poder adquisitivo y costumbre de ir al teatro.

Es importante proponer espectáculos cuya dimensión universal internacionalice el target, y vaya a seducir un público de 18 a 39 años.

Por el momento esta responsabilidad recae sobre “Esta noche se improvisa”, el show de improvisaciones que ha encontrado un público joven e internacional gracias al lanzamiento de nuevas caras, llenas de talento, que han sabido sorprender, divertir y conmover la centena de espectadores que han acudido como promedio por velada.

Otro espectáculo hermoso y universal, de alto vuelo artístico y elenco internacional es la comedia dramática “El Acompañamiento”, de Carlos Gorostiza, que se estrenará este sábado, diez de octubre, con las actuaciones del uruguayo-argentino Gualberto González y el chileno argentino Osvaldo Strongoli, y bajo la dirección del propio Strongoli.

La comunidad sudamericana podrá venir a apoyar uno de los textos más bellos de la dramaturgia contemporánea argentina.

Y es que el Teatro América debe ser un epicentro del teatro en la ciudad, un epicentro a la imagen de la ciudad misma: internacional y para todas las edades.

El teatro para niños se avizora como el próximo caballo de batalla del América, ya hay varios talentos preparándose para el lanzamiento de la temporada de teatro infantil, entre ellos Rita Rosa, recientemente nominada al Grammy latino, Eddy Díaz Souza, dramaturgo y director, y el equipo de “Don Quijote” y “Los tres mosqueteros”, que girara por una veintena de ciudades norteamericanas a principios de año.

El próximo desafío del América será la preparación de los espectáculos en segunda parte de la noche, o sea, los shows que comienzan a las 11 pm, después de las obras de teatro.

Para ello se está hilvanando un programa con grandes intérpretes y performers (cantantes, humoristas, bailarinas, show-men) que estarán en cartelera en unos días.

Actualmente se encuentra en preparación un show, a medio camino entre un music hall y un cabaret, que habla de la cara oculta de la bailarina, un espectáculo conmovedor, donde estética y erotismo sirven el espacio para que varias mujeres y hombres del espectáculo revelen sus secretos más íntimos.

Este show será escrito y dirigido por quien redacta estas líneas y marcará el regreso a la escena del coreógrafo y diseñador Carlos A. Rodríguez, quien dirigiera las producciones del famoso cabaret "Copacabana" de Miami durante varios años.

El alto mando del Teatro América está consciente de que una tal empresa necesita tiempo, por el momento el sortilegio ha prendido, y si hoy, “Esta noche se improvisa” vuelve a atraer un público entusiasta e internacional, donde se codeen los jóvenes de setenta y ochenta años con los más jóvenes de 18, estaremos confirmando lo que todos esperamos en Miami.

Hoy en el Teatro América:

“Esta noche se improvisa”, enfrentamiento entre los equipos “Disparejas” (Vivi Rubi, Venezuela & Catalina Arenas, Colombia) “Los Renegados de Hialeah” (Jessica Álvarez Diéguez, Argentina & Alejandro Vales, Argentina) y “Los Caminantes del Espacio” (Yesler de la Cruz, Cuba & Orlando Arias, Colombia).

Un espectáculo interactivo, concebido y arbitrado por Yoshvani Medina.

Servicio de tapas, vinos y tragos fuertes. Entrada $ 15 lunetas ($25 VIP)

Mañana en el Teatro América:

Estreno de la obra “El Acompañamiento”, de Carlos Gorostiza, con las actuaciones de Gualberto González y Osvaldo Strongoli, dirección Osvaldo Strongoli.

Servicio de tapas, vinos y tragos fuertes. Entrada $20 lunetas ($25 VIP)

Reservaciones:

www.teatroamerica.com 305 381 5116


En la imagen: "Esta noches se improvisa", equipo "Putativos" (Gualberto González y Catalina Arenas), foto carolina Lorusso.

Thursday, October 8, 2009

El Teatro América lanza oficialmente su temporada 2009-10


El Teatro América inicia su temporada oficial 2009-10 esta semana, después de un mes de pretemporada donde se presentaron varios de los espectáculos, intérpretes y creadores que estarán en cartelera a lo largo del año.

La sorpresa de la pre-temporada fue el espectáculo “Esta noche se improvisa”, que tuvo como promedio la centena de espectadores por velada, y que trajo al teatro un público de diferentes edades y países que no paró de divertirse ni de sorprenderse.

Los jueves, a las 8 pm, ya es un éxito “La noche de talentos de Adrián Mesa”, donde se dan cita personas con deseos de imponerse como intérpretes, músicos, poetas, escritores, actores, y que se suben a la escena del Teatro América para mostrar sus habilidades delante de un verdadero público, en un verdadero teatro, en un show conducido por una de las voces más populares de Miami.

Este viernes a las 8 pm “Esta noche se improvisa” tendrá la tarea de confirmar su éxito de pre-temporada, actuando delante un público que esta vez pagará $15 la entrada ($25 los asientos VIP).

Para este viernes se han dado cita actores que a lo largo de la temporada fascinaron con su velocidad de reacción y su facilidad para improvisar tanto en el registro cómico como en el dramático.

“Los renegados de Hialeah” (Jessica Ålvarez Diéguez y Alejandro Damián Vales), que causaron sensación la semana pasada, desplegando toda su vis-cómica e imaginación cultivadas a lo largo de una carrera artística de veinte años.

Vivi Rubi, la consentida del público de “Esta noche se improvisa”, y Catalina Arenas, bomba colombiana que ya ha explotado en dos precedentes ediciones del show, han decidido hacer equipo, ante la ausencia de Osvaldo Strongoli y Gualberto González, sus habituales cómplices, que esa noche estarán ocupados a la víspera del estreno de otro espectáculo, utilizarán esta vez la magia femenina para imponerse.

Y “Los caminantes del espacio”, lidereado por el actor cubano Yesler de la Cruz, que ha impresionado en sus dos primeras presentaciones, y que este viernes vendrá acompañado del actor colombiano Orlando Arias, clown, comediante y Profesor de Arte Dramático en el sistema universitario norteamericano.

El sábado a las 8 pm y el domingo a las 5 pm estará en cartelera una obra de teatro sublime: “El acompañamiento”, de Carlos Gorostiza, con las actuaciones de Gualberto González y Osvaldo Strongoli, puesta en escena y dirección del propio Strongoli.

La obra fue elegida para abrir la temporada del América tras el impacto que tuvo su lectura durante el período de pre-temporada.

El texto es una joya de la dramaturgia contemporánea argentina, y las actuaciones del uruguayo –argentino Gualberto González y del chileno-argentino Osvaldo Strongoli son ejemplares.

Dentro de unas semanas comenzará la temporada de teatro infantil “Miami go el teatro”, con el estreno en Miami de la versión de “Don Quixote”, en inglés, que a principios de año girara por una veintena de ciudades americanas, producida por Hispanic Flamenco Ballet y dirigida por quien escribe estas líneas.

Seguirán otras obras de importantes autores del patio, que podrán ver sus creaciones montadas en el América, entre las personalidades con las que el teatro está en contacto destacan el dramaturgo y director Eddy Díaz Souza y la compositora y cantante Rita Rosa, nominada al Grammy por su nuevo disco para niños.

Otros conciertos y peñas irán integrándose al programa del América a lo largo de este mes, el teatro ha tratado de entrar en contacto con figuras reconocidas de la escena del patio (Mirtha Medina, Lena, Marcelino Valdés), y en los próximos días sabremos más al respecto.

Lo que está confirmado es el regreso del teatrista más exitoso del siglo XX en Miami.

Alfonso Cremata, que creara con Salvador Ugarte, su cómplice de siempre, más de doscientas obras de teatro entre 1967 y 2006, estará presentando su nuevo espectáculo “Cornudo pero contento”, para deleite de un público histórico que lo siguió durante cuatro décadas y un público nuevo que lo descubrirá después de tres años de ausencia.

Cremata anestesió literalmente la audiencia de “Esta noche se improvisa”, el pasado viernes, al hacer una aparición especial en solo y después incorporarse a las difíciles improvisaciones con una maestría rara y genuina, la standing ovation que recibió “es el mejor regalo de bienvenida que me puedan hacer”, dijo el ser humano, con los ojos llenos de lágrimas.

Otro espectáculo que llega con credenciales de alto nivel es “Emergencias”, de Lázaro Rodríguez, que marca el regreso a las tablas de una gran estrella de la televisión y el teatro cubano: Ramoncito Veloz, quien lideará un elenco de primera línea integrado por Orlando Casín, Denise Sánchez (la popular monja de Alexis Valdés) y Vladimir Escudero.

“Emergencias” marcado con el signo del regreso, nos trae el primer trabajo en Estados Unidos de una de las directoras más importantes de los últimos treinta años en Cuba, la maestra Miriam Lezcano, que llegó a Miami el año pasado.

Esta producción subirá a escena el próximo 7 de noviembre, a las 8 pm.

Otras veladas artísticas se están poniendo en práctica paulatinamente en el Teatro América, que tiene el humilde objetivo de unir lo mejor de la creación artística de Miami, con espectáculos de alto nivel artístico, donde se codeen diferentes generaciones y nacionalidades.

En la imagen: "Esta noche se improvisa" Jose Luis Navas y Catalina Arenas, foto Carolina Lorusso.

Sunday, October 4, 2009

"Esta noche se improvisa", una cuestión de actitud.


Sería iluso pensar que todo el que se tira al vacío desde un avión a diez mil pies de altura puede salir indemne.

Si actores como Vivi Rubi, Osvaldo Strongoli, Yesler de la Cruz, José Luis Navas, Gualberto González o Catalina Arenas han brillado en "Esta noche se improvisa", otros han sido menos espontáneos, menos eficaces.

Y el público detecta inmediatamente los desperfectos, ese público educado, benevolente y cooperativo que viene a "Esta noche se improvisa" dispuesto a hacer su parte en el hechizo, pero no a fingir risas ni aplausos.

Anoche varios factores influyeron en contra del espectáculo, en primera la anulación del equipo "Las curvas de Grotowski", integrado por el actor cubano Miguel Paneke y el mimo, bailarín y showman Rubén Romeu.

Suele ser fatídico cuando un actor se inscribe para actuar en "Esta noche se improvisa" por embullo, porque asistió a un espectáculo soberbio en el que le gustaría actuar, sin calcular las posibilidades reales que tiene para prepararse, para montar la coreografía de presentación de un minuto, para avisarle a su gente que actuará.

Los que se inscriben por convicción toman su gesto como un desafío, los equipos se preparan, buscan un nombre rápidamente, encuentran la manera de anunciarse, de hacer saber que estarán listos para la cita.

Es una cuestión de actitud, y esto es una condición necesaria pero no suficiente para triunfar en "Esta noche se improvisa".

Cuando un equipo está bien conectado, bien entrenado, improvisar parece fácil, y es que la técnica es todo lo que no se ve.

Nadie imagina las sesiones de entrenamiento a las que se somete un improvisador, los siguientes artículos dan fé de los entrenamientos draconianos que precedieron al nacimineto de "Esta noche se improvisa".

http://yoshvani.blogspot.com/2009/07/cuando-el-talento-se-pone-prueba-curso.html
http://yoshvani.blogspot.com/2009/07/contra-la-mediocridad.html
http://yoshvani.blogspot.com/2009/07/ecos-del-taller-de-creacion-teatral-en.html
http://yoshvani.blogspot.com/2009/08/la-muerte-sonrojada.html
http://yoshvani.blogspot.com/2009/08/la-interpretacion-es-un-plato-que-se.html
http://yoshvani.blogspot.com/2009/08/ninos-kamikazes-se-explotan-en-escena.html

Cuando uno lee estos artículos quizás comprenda la formidable transformación de Yesler de la Cruz, joven actor que no había gozado hasta ahora de un status protagónico, pero que ha tenido dos magníficas actuaciones en "Esta noche se improvisa".

Es el mismo caso para Osvaldo Strongoli y Vivi Rubi, el equipo que más impacto ha tenido en el público, no solamente por su vis-cómica y su espontaneidad, sino por el tiempo que llevan trabajando juntos.

Pero regresemos a anoche, y tratemos de comprender por qué, a pesar de haber habido en escena un equipo fenomenal ("Los renegados de Hialeah", integrado por Alejandro Vales y Jéssica Alvarez Diéguez, que no son otros que los miembros del conocido dúo de clowns argentinos "Enriqueta y Agapito") el espectáculo no tuvo la fuerza de sus dos anteriores ediciones.

En boxeo, en fútbol o en amores, para hacer una buena performance hay que ser dos, dos equipos que tienen el mismo nivel, el mismo deseo.

Anoche hubo un sólo equipo sobre la escena del América, el entusiasmo y las ganas de actuar no le bastaron a César Mite.

Nicky Machado nunca había asistido ni como espectador al espectáculo, César le había explicado el principio de funcionamiento de la velada, pero en cuanto entró en escena comprendió que su español no le iba a alcanzar, y que su relación con César era inconexa.

Se puede improvisar sin conocer bien la lengua en la que se improvisa, con la condición de no poner en el habla el peso de la improvisación, a fin de cuentas una imagen vale mil palabras, dijo Hitchcock.

César y Nicky tuvieron sus buenos momentos, ya los veremos en los videos grabados por Pablo Arriola que aparecerán dentro de poco, pero en general no estuvieron a la altura que un tal espectáculo exige.

"Los renegados de Hialeah" desde el principio dispararon la presión en la sala, encontrando inmediatamente la complicidad con un público que siempre estuvo en comunión con ellos.

Jessica es una verdadera bomba escénica, que explota ininterrumpidamente, que saca el máximo de hilaridad a cada situación utilizando tanto los gags físicos, los juegos de palabras, los quiproquos, las peripecias, el absurdo, y que está en constante conexión con su cómplice Alejandro, que no duda en aventurarse en imitaciones, perforar la cuarta pared e ir a prolongar el aquelarre escénico más allá del proscenio.

Si Vivi Rubi y Strongoli basan su magia en el teatro puro, produciendo elegantes efectos y prohibiéndose las malas palabras; Jessica y Alejandro son un terremoto que a veces raya lo soez, pero anoche, hasta las obscenidades sonaron justas, quizás atenuadas por el magnífico acento argentino.

Este viernes será el opening del Teatro América, y a partir del próximo viernes "Esta noche se improvisa" costará $15, pueden estar seguros que subirán a escena esos que de verdad puedan tirarse de un avión, a diez mil pies, sin paracaídas, y salir indemnes.

*En la imagen: Un momento sublime de la segunda edición de "Esta noche se improvisa" (El velorio cubano), de izquierda a derecha Vivi Rubi (Venezuela), Yesler de la cruz (Cuba), Gualberto González (Uruguay-Argentina) y Catalina Arenas (Colombia).
Foto: Carolina Lorusso.

Thursday, September 10, 2009

"Esta noche se improvisa" (Presentación oficial del primer equipo): "Las pilosas".



Hola, muchachos.

Como se ha venido anunciando, el próximo miércoles será el estreno de "Esta noche se improvisa", el nuevo show de improvisaciones del Teatro América.

Un evento donde cada miércoles se darán cita los actores de nuestra ciudad para lanzarnos al vacío delirante de la improvisación.

Les recordamos que el Teatro América abrirá sus puertas de manera oficial en el mes de octubre, y que mientras tanto, se celebran actividades de pre-temporada donde se dan cita el público y los creadores e intérpretes de la ciudad.

"Esta noche se improvisa", es un espectáculo que pretende rendir homenaje al actor, que es el elemento más importante del teatro.

Durante dos horas, varios equipos comparten la escena en un "duelo" de improvaciones, ejercicios y peripecias actorales en el que las risas pueden estar mezcladas con las lágrimas.

"Esta noche se improvisa" no es un concurso, sino una suerte de ritual donde se convocan la espontaneidad, la intuición, el carisma y la agilidad mental de los participantes.

Espectáculo interactivo por excelencia, es el público quien elige muchos de los temas de improvisación, al escribirlos en una tómbola de donde se sacarán al azar.

Es un placer presentarles el primer equipo de participantes en el estreno de "Esta noche se improvisa":


Nombre del Equipo: LAS PILOSAS

País: Colombia.

Conformado por: Yasbleydi Giraldo y Yaisesmid Giraldo.

Particularidades del equipo:

Se trata de un par de mellizas de 22 años, su parecido es impresionante. Estudiaron danza durante cuatro años en la conocida escuela María Sanford, en Cali, antes de venir a los Estados Unidos.

Yaisesmid estudió después en New York en la academia The House of Dance, de Griselle Ponce, donde más tarde enseñó salsa.

Yasbleydi, muy atraída por la actuación, toma cursos de Arte Dramático desde hace un año, su parecido con la actriz Penélope Cruz es sorprendente.

Actualmente trabajan con el equipo de "El vacilón", el nuevo proyecto de la cadena Mega TV, dirigido por Agustín, el creador de la mini-serie Gabriel.

Yaisesmid prefiere el registro cómico mientras que Yasbleydi prefiere el dramático.

Ambas están ensayando una obra de teatro que se estrenará muy pronto en Miami.

Inscríbase en yoshvani@yahoo.fr

"Estanoche se improvisa", porque en teatro hay que saber contar... con lo imprevisto.

Friday, September 4, 2009

Noche pecaminosa en el Teatro América de Miami


Para su segunda velada de lecturas de la pre-temporada, el Teatro América presentaba este miércoles la obra "Pecaminoso", del venezolano Eloy Palencia, adaptada, puesta en espacio y dirigida por César Mite, leída por Juan Rivera, David Alonso y el propio Mite.

Muy conocido en el ambiente de la jugada teatral de Miami, César Mite ha dirigido, escrito y actuado varios espectáculos en estos últimos años: “Hombres en fin" y “La herencia” (2006); “Así le mintió él al esposo de ella” (2007), antes de defender el rol de Angustias en “Bernarda” (2008), la versión de “La Casa de Bernarda Alba”, de Lorca, dirigida por Juan Roca.

Nacido en Panamá, César Mite había actuado hace tres años en una versión panameña de “Doña Flor y sus dos maridos”, dirigida por Norman Douglas.

Frente a un público de alrededor de cincuenta personas, la lectura de "Pecaminoso" develó los devaneos homosexuales de un sacerdote católico.

La obra va lejos en lo que dice y en lo que muestra, no solamente hay sexo, violencia y lenguaje de adultos, sino que tratándose de la vida privada de un sacerdote, todo toma un lado más comprometedor.

Para unos, “Pecaminoso” puede ser una obra que aprovecha el contexto de los últimos escándalos de sacerdotes en nuestra ciudad; para otros puede parecer una obra necesaria, que defiende el lado humano del hombre de fe, el lado animalmente humano.

Obra oportunista, obra pertinente, obra inevitable, obra inexcusable, el debate que siguió puso en resonancia los análisis del público con los de diferentes personalidades del paisaje escénico, audiovisual y periodístico de la ciudad.

Muchas personas alzaron su voz para elogiar una obra devastadora, una punta de lanza contra los prejuicios y la hipocresía social, y por los derechos de los homosexuales a amar sin dejar de tener fe en Dios.

Otros se pronunciaron en contra, propiciando un debate en que nadie se abstuvo, las posiciones fueron radicales, en pro o en contra.

Para la reportera Marjorie Farías, la obra le mató la ilusión que le había creado el amante gay.

El actor puertorriqueño Miguel Sahid, en una primera intervención, alabó el esfuerzo de los lectores, del director y de un texto valiente y conmovedor. En su segunda intervención, Sahid, que debutara como director en 2007 con “Cada quien su vida”, señaló ciertas zonas del texto que merecerían cortes.

El actor y director cubano Glauber Barceló puso el dedo en la llaga al preguntar cuántos católicos practicantes habían en la sala, algunas manos se levantaron y Glauber preguntó si serían capaces de invitar a sus compañeros de parroquia a venir a ver una obra que se posicionaba abiertamente contra los preceptos de la Iglesia Católica.

Eva Weiner, la actriz brasileña que apareció en la portada de la revista VIP BRASIL de junio de este año, y que vino a la lectura acompañada de su manager Gloria Bocaranda, confesó haberse aburrido con el texto.

El conocido actor venezolano Julio Gasette, había hecho mutis por el foro minutos después de que empezaran los debates.

Era una noche importante para Vilma Muises, la reportera argentina del portal de internet de Radio Miami, quien regresaba a la vida artística de la ciudad después de una seria enfermedad.

Vilma hizo un paralelo entre “Pecaminoso” y “Enema”, de Ernesto García, en cuanto a la utilización de imágenes religiosas en escena.

Otra reportera televisiva de Miami, Yvette Lewis, hizo una reflexión sobre la progresión dramática de la obra, que siempre fue en crescendo.

Los aplausos en este tipo de velada no se regalan ni se dan por cortesía, Jesús Castañón hizo un análisis sobre los diferentes regionalismos que utiliza la obra, palabras y frases idiomáticas que provienen de países determinados, valorizando el lado cosmopolita de Miami que permite acoger un espectro mucho más importante de frases y acepciones.

La intervención de Castañón fue ovacionada sin que el público supiera que se estaba aplaudiendo al dueño del teatro.

“Pecaminoso” es una opción más para la temporada 2009-10 en Miami; si finalmente llega a montarse, el teatro que la acoja pudiera convertirse en el epicentro de un debate de sociedad.

Por el momento es un texto que necesita ser despojado de ciertos parlamentos que lo hacen tender al panfleto y de ciertas escenas y réplicas innecesariamente largas.

Muchas fueron las opiniones dadas, mucho el intercambio entre personas que, tomando como base un texto teatral agresivo (y por momentos brutal), expresaron lo mejor de sí.

Son las personas que portarán en sus hombros el destino del Teatro América, que pretende estar indisolublemente ligado al destino del teatro en nuestra ciudad.

Estas lecturas se proseguirán en el período de pre-temporada, que se extenderá hasta el día del gran openning, el mes que viene.

El próximo viernes 18 de septiembre se leerá “El Acompañamiento”, del dramaturgo argentino Carlos Gorostiza, puesta en espacio dirigida por Osvaldo Strongolli, con las actuaciones del comediante, actor y cantante cubano Jorge Hernández, cuya última aparición en escena fue hace unos días en “El médico a palos”, producida por el Teatro 8; y el actor argentino Gualberto González (Don Quixote, producida por Hispanic Flamenco Ballet).

Tuesday, September 1, 2009

Esta noche se improvisa


Es un placer decirles que el Teatro América (2833 NW 7 St, Miami Fl, 33125) reabrirá sus puertas muy pronto, con nuevos dueños y nuevos bríos.

Ahora el teatro está equipado con una cafetería-snack en su lobby, y con un espacio piano-bar, contiguo a la gran sala.

También dispone de espacios VIP para los espectadores, una iniciativa que lo acerca a las salas parisinas de café-teatro.

Su estrategia es la puesta en escena de lo mejor del repertorio mundial, ya sea clásico o contemporáneo, favoreciendo el impulso a creadores del patio.

Varias actividades irán poniéndose en práctica, dentro del período de pre-apertura del teatro, que se extenderá hasta el día del gran openning, el mes que viene.

Tanto el bar como la cafetería ofrecerán sus servicios de comida, vinos y alcoholes fuertes, durante el período de actividades de pre-estreno.

Ya se han celebrado lecturas públicas, de donde han salido a relucir varios textos que pudieran integrar la programación de esta temporada.

La próxima iniciativa del teatro es una velada teatral que se llamará “Esta noche se improvisa”, un guiño al título de la obra del dramaturgo italiano Luigi Pirandello, Premio Nobel de Literatura 1934.

Esta velada se realizará cada miércoles, de 8pm a 11pm, y estará abierta a cuanto actor profesional o amateur, con experiencia o sin experiencia, quiera subirse en escena para improvisar.

No habrá ensayos, ni audiciones, el que responda primero se inscribirá el miércoles que desee.

Lo que se requiere:

Inscribirse por equipos de dos personas: deben dar el nombre de cada una de las dos personas, el nombre del equipo, y fijar el miércoles que querrán actuar.

El miércoles que les toque actuar deben estar en el teatro dos horas antes del debut del show, para que conozcan el espacio, el árbitro del show (este servidor), y también para repartir algunos flyers en los alrededores del teatro.

Cada equipo debe tener su vestuario y debe traer preparada una coreografía de presentación de un minuto.

El primer miércoles será el 16 de septiembre.

La entrada será gratis.

Otra cosa muy importante, nadie será pagado.

La filosofía de la velada es "just for fun", justo por entretenerse, por improvisar juntos, lo que no impedirá que se descubran talentos, que se ticen lazos amistosos y/o profesionales, o que se inspiren y se posibiliten nuevos proyectos.

Que la gente interesada en el teatro (de los dos lados del proscenio) se encuentren, se conozcan, intercambien.

El Teatro América pretende ser un centro de encuentro y conspiración por la belleza y la poesía escénica en nuestra ciudad, ya hablaremos de dinero a su debido tiempo.

Pueden contactarme por facebook o a mi email personal: yoshvani@yahoo.fr

Será un placer contestarles.

Un saludo cordial, respetuoso, mío.

Thursday, August 27, 2009

Ser actor o no ser


Yesler de la Cruz no es aún un actor estrella de Miami.

No cobra entre $300 y $500 por actuar una noche en uno de los teatros de la ciudad, no aparece en las telenovelas defendiendo lánguidos papeles de galán, su nombre no se alude en los programas de farándula, no ha actuado aún en el Festival Internacional de Teatro de Miami.

Su energía, tiempo y dinero están consagrados a perfeccionar su técnica de actor, sus conocimientos de la Historia del Teatro, de la Dramaturgia, del Arte de la Puesta en Escena.

Se entrena al menos seis horas por semana, lee todo lo que le caiga en las manos, y ya es un nombre conocido entre los teatreros que saben que un actor de veintiséis años, con técnica, es una perla rara en cualquier teatro del mundo.

Yesler de la Cruz está convencido de que en esta profesión no existen los hombres cultivados, sino los hombres que se cultivan, él será un teatrero completo o no será.

Por el momento trabaja duramente su dicción, explora las transiciones inherentes a su centro de gravedad, repasa sus desplazamientos escénicos para que sean trazos en el espacio, trazos limpios, llenos de sentido.

Su cuerpo es el de un modelo de pasarela (6’ 3” por 160 libras), su voz grave y cálida resuena en cualquier escena, llamando la atención del que escucha.

Su experiencia crece en cada entrenamiento, en cada película independiente en la que colabora, en cada obra de teatro en la que participa.

A principios de este año interpretó el rol protagónico de D’Artagnan, en “The three musketeers”, de Dumas, producida por el Hispanic Flamenco Ballet, con quien giró por una veintena de ciudades americanas.

Al mismo tiempo, actuó en “Don Quixote”, de Cervantes, en la misma gira, del mismo productor; fueron cuarenta funciones que lo pusieron a la altura de los actores que más han trabajado este año en Miami.

Sin contar las horas de ensayos inherentes a estas producciones, ni las sesenta horas de training de actor en el último trimestre.

Como si fuera poco, el director Juan Roca lo ha llamado para integrar el elenco de actores que repondrá el espectáculo “Bernarda”, que se presentó con éxito la temporada pasada, y que estará en cartelera a partir del 5 de septiembre en el Teatro Abanico.

Esta vez interpretará Angustias, uno de los personajes más interesantes de la obra maestra de Lorca.

Lenta y seguramente, Yesler se forja su camino, se le puede ver por las calles de la ciudad con sus cabellos hirsutos y su bolsa al hombro, una bolsa donde lleva los sueños, donde echa lo aprendido para que se transforme en felicidad.

Friday, August 14, 2009

Ni heroínes ni marijuanes


Miami está revuelto, Juanes lo ha virado al revés.

La mayoría de los veteranos músicos cubanos de Miami están indignados, no paran de gritar que a ellos no los dejan entrar en Cuba, razón que les parece más que suficiente para condenar el concierto del colombiano.

Willy Chirino, que quería dar un concierto en Cuba hace unos meses, está que arde; Carlos Oliva, mucho menos conocido por el gran público, pero muy popular entre la vieja guardia, acusa a Juanes de comunista; Paquito d’ Rivera publicó una aguerrida carta abierta en Internet titulada “La música puede esperar”; Arturo Sandoval, más moderado, le ofrece al colombiano el beneficio de la duda.

Por su parte, Amaury Gutiérrez coincide con la generación de los históricos en cuanto al tono indignado de sus declaraciones: “no les daré el gusto de pedir una visa para entrar a cantar en mi país”.

La mayoría de los artistas cubanos más jóvenes guardan silencio, como si aún no tuvieran la edad para opinar sobre las cosas de los mayores.

Aunque algunos ya han empezado a balbucear, Germán Pinelli, director de los Tres de la Habana, que llegó de Cuba el año pasado, dijo en una entrevista a la agencia EFE que apoyaba el concierto de Juanes, antes de retractarse horas después, en vivo, en el programa de Oscar Haza, el prime-time de más audiencia entre los cubanos de Miami.

Quizás Pinelli, en el momento de la verdad, pensó que se le pudiera boicotear la gira que su grupo tiene prevista por más de veinte ciudades americanas.

Son los viejos reflejos de Cuba, no se le puede echar en cara a un músico como Germán Pinelli, que vivió toda su vida bajo la bota del comunismo, de haber sentido inhibición ante la mirada de Oscar Haza, que representa la de la extrema derecha de Miami, la mirada, no la bota.

La mayoría de los latinos de la ciudad piensan que el concierto debe darse, lo prueban los sondeos en los programas de farándula que proliferan en cada canal de televisión.

El de Pinelli es el mismo miedo de Juanes: a una censura, una represión brutal de sus discos.

No sería la primera vez que un artista latino sufriera presiones en Miami por haberse puesto en relación con La Habana.

Con el poder en La Habana, porque se sabe, y en esta historia nadie peca de ingenuo, que para dar un concierto donde se reunirán miles de personas en La Habana, hay que pedir permiso al poder… de La Habana.

Dicho sea de paso, en cualquier ciudad del mundo donde se organice un concierto con miles personas hay que pedir un permiso al poder de la ciudad.

El problema es que en Miami, hay una histórica corriente de pensamiento que considera que pedir permiso al gobierno de Cuba es legitimarlo.

Hay otros que piensan que se legitima más el gobierno de Cuba dedicándole a lo largo del día programas de radio y televisión, noticieros y artículos periodísticos.

Otros piensan que ése es el medio de lucha que le queda a los partidarios del exilio histórico: denunciar y criticar desde Miami las jugadas del régimen de La Habana.

En medio de este paisaje surge la iniciativa de Juanes de hacer su concierto por la paz.

La jugada de Juanes es muy fina, si los del exilio histórico no parecen tener otro objetivo que protestar con los mismos argumentos de hace 50 años, lo que hay al final de la apuesta de Juanes es el Premio Nobel de la Paz.

Si los artistas de la Isla, que no tienen un pelo de ingenuos y que, más allá de su ideología, tienen inteligencia, se abren a un discurso de paz y tolerancia, no sólo pondrán en mala posición a los del exilio histórico, sino que darían a Juanes el crédito del comienzo de una apertura que pudiera ser irreversible, el próximo paso sería un concierto de esos cubanos en Miami.

Un concierto al que invitarían a todos los que hoy están indignados, dejándoles como opción cambiar de posición y venir a tocar con ellos por la paz, o seguir en la posición actual y dejar pasar el histórico tren de la reconciliación.

Pase lo que pase, el gran beneficiario de esta situación será Juanes, quien, a pesar de sus miedos y alguna torpeza que haya podido cometer, nos prueba que ser el primero es más importante que ser el mejor.

La lucha entre el poder de La Habana y el exilio de Miami ha sido larga, lo que en 50 años no se logró con bloqueo y guerra fría, se pudiera ganar en unos meses, con respeto e inteligencia.

Wednesday, August 12, 2009

La muerte sonrojada



Faltaban cinco minutos para el final de la sesión, Yes de la Cruz y Fabiola acababan de terminar el último ejercicio.

Había sido una escena muy física, violenta, el personaje de Yes (un extraño joven, mitad niño mitad tonto, que buscaba a su amiga a quien llamaba “Princesa”) había violado al de Fabiola (una joven taciturna que se defendió uñas y dientes, pero que no pudo evitar lo peor), Princesa se había quedado arrodillada en escena, sus largos cabellos negros ocultándole el rostro, sollozando.

Súbitamente, con una transición radical que los hizo salir de sus personajes, pero no de situación, el joven le preguntó a la muchacha si le había gustado, ella respondió que no, entonces el muchacho le dijo: ¿Lo hacemos otra vez?, a lo que la chica contestó asintiendo: “Pero esta vez lo haremos por atrás”.

Faltaban cinco minutos para el final del curso, todos comprendimos que Yes de la Cruz y Fabiola acababan de terminar el último ejercicio, pero nadie osó mover un dedo, nos quedamos así, en apnea, sin aplaudir ni decir palabra, hasta que Yas exclamó: ¡Espectacular!

Los aplausos resonaron franca, entusiastamente, y fueron el colofón de una sesión en la que también brillaron Adidi, Alejandro y Yasbleidy.

Se trataba del ejercicio “El teatro que me gustaría hacer”.

Se trabajaba por pareja, cada equipo debía preparar una escena que se inscribiera en el registro del teatro que le gustaría hacer.

Las técnicas que hemos explorado en este tiempo debían ser utilizadas: resonadores, dicción que acentúe las consonantes explosivas, escritura en el espacio, noción de positivo y negativo, planos, actividad, centro de gravedad, progresión dramática, clímax, objetivo del personaje, medio, obstáculos, conflicto, emoción…

En el ejercicio de Alejandro y Adidi, la joven israelita interpretaba la Muerte, mientras que el clown argentino encarnaba un bohemio, amante de la vida, cuyo objetivo era evitar que la muerte se lo llevara.

De entrada, la relación personaje-objetivo-obstáculo era clara: y el medio que empleó el protagonista para lograr su objetivo se reveló de una eficacia hilarante.

Burlar a la Muerte es un objetivo más que difícil, sobre todo si es una Muerte como la de Adidi: cínica, elocuente, implacable.

Alejandro puso ironía donde Adidi puso cinismo; se defendió con silencio ante el don de la palabra de la joven; y contraatacó con ingenio hasta encontrarle el lado débil a la Muerte.

“Estoy seguro que te gustaría que te tocara las tetas”, la réplica salió seca, bien articulada, y Adidi se tambaleó un segundo, las risas inundaron la sala en un turbión.

Pero lo mejor, el clímax del ejercicio, aún estaba por venir, fue una réplica de Alejandro, una estocada aniquiladora: “Lo que vos necesitás es una buena cogida”.

La Muerte se sonrojó, y le dijo que no tenía muchas ganas de discutir estupideces, que finalmente hoy no era ni el día de su muerte, y se alejó con el orgullo del que sabe que ha perdido una batalla, pero que la guerra tiene la suerte echada.

Adidi supo perder, y eso la hizo brillar.

Saber perder, saber morir en teatro, es con frecuencia sinónimo de inmortalidad, el repertorio está lleno de héroes y antihéroes que mueren y/o pierden.

Es lo que en Dramaturgia se llama obtener una respuesta dramática negativa.

De la misma manera que la obtienen personajes como Cyrano (Cyrano de Bergerac, de Edmond de Rostand), Romeo (Romeo y Julieta, de William Shakespeare) o Vladimir y Estragón (Esperando a Godot, de Samuel Beckett).

Mención aparte para la performance de Yasbleydi en el ejercicio con Yalis.

Yasbleydi utilizó su memoria emocional entregando una larga tirada, en la que un rezo a su ángel de la guarda se mezclaba con el discurso más conmovedor sobre una joven engañada por un vidente.

Yasbleydi dejó venir las lágrimas, sin que éstas se convirtieran en un obstáculo para su interpretación, y el resultado fue enternecedor.

En la primera parte de la sesión habíamos leído la nueva obra del cubano Ulises Cala, dramaturgo que se inserta en las tendencias más actuales de la escritura postdramática.

Difícil imaginar una obra sin personajes, sin título, sin didascalias, sin signos de puntuación, pero se sabe que después de Peter Handke y Heiner Muller todo es posible, y la obra de Ulises fue seguida con atención por unos actores que al final votaron contra.

Yes de la Cruz adoró la obra, poniéndola en el sitial de sus cosas aprendidas este año, al lado de la magnífica “Las facultades” del dramaturgo portoriqueño Aravind Enrique Adyanthaya.

Fabiola confesó que éste era el teatro que le interesaba hacer: algo que sobrecoja, en lo que se apueste a un éxito total o a un fracaso mayúsculo.

Alejandro encontró la obra totalmente depresiva, gris, aunque reconoció el ingenio y la fuerza dramática del autor.

Las muchachas del grupo, con esa sabiduría inherente a la mujer, consideraron que quizás debiéramos empezar con un espectáculo más legible.

Fue una sesión intensa, en la que el tiempo se nos acabó justo cuando el hierro de la imaginación estaba al rojo vivo.

Friday, August 7, 2009

La interpretación es un plato que se sirve frío para que el público se lo coma caliente.



Anoche hubo una hemorragia de emoción en el taller de creación teatral de la Alianza Francesa de Miami.

¿Qué es lo que puede hacer que una actriz, que está ahí desde el principio, estalle en lágrimas en el medio de un ejercicio?

¿Cuál es el sortilegio que nos mantiene la carne de gallina durante un ejercicio colectivo como “La frase de mi vida”, que dura más de diez minutos?

Si el punto cero del actor equivale al cero en los números naturales, ¿cómo estos actores pueden “cambiar” de punto cero, con una transformación casi imperceptible para el ojo humano?

Esta vez no estamos hablando de fantasía ni de imaginación, tampoco estamos descubriendo nada nuevo, hay que ser verdaderamente inculto para pretender descubrir algo nuevo en arte; estamos hablando del resultado de un trabajo personal, interior, subjetivo, y al mismo tiempo eficaz, y fácilmente verificable.

Estamos hablando de los píxeles en la pantalla del actor.

Mientras más píxeles tenga una pantalla, más nítida será su imagen; mientras más elementos tenga un actor para construir su personaje (centro de gravedad, estado, color, resonador, etc); más orgánico y preciso será su resultado interpretativo.

Las frases estallaron en la sala como latigazos, algunas parecían salir directamente de una novela de García Márquez, otras de las entrañas de una pesadilla:

“Åmala, ámala mucho, si no la amas tú, ¿quién más la volverá a amar? (Fabiola).

”Los niños juegan con los niños y las niñas con las niñas. Los niños no juegan con las niñas”. (Yes de la Cruz).

“¿Cuál de las dos es adoptada?” (Adidi).

“¿Para qué? ¿Para que se muera de hambre como ustedes dos?” (Mid).

“Siembra un árbol de naranjas y recibirás manzanas” (Yasbleydi).

“Cuídense mucho”. (Carolina).

“Yo no sé hacer otra cosa en la vida que no sea robar” (Alejandro).

Frases de seres queridos justo antes de morir, frases cínicas de verdugos que causaron heridas profundas, frases de amor, de horror, irónicas frases, la mayoría alejadas en el tiempo, pero que resuenan aún en las conciencias.

El trabajo del actor tiene que ser un trabajo conciente, es un mito eso de caer en trance y ser otra persona el lapso de una obra de teatro, al igual que es un mito la inspiración en los intérpretes.

La noción de inspiración se resquebraja ante la noción de disciplina y de trabajo riguroso y (con) centrado.

Un actor no actúa con el corazón, sino con la cabeza.

La interpretación es un plato que se sirve frío para que el público se lo coma caliente.

Un actor no puede estar perturbado por sus sentimientos, porque entonces no puede servirse de ellos para su interpretación.

Eso le pasó a Mid en el ejercicio que siguió: “Titanic”.

“Titanic” es uno de los ejercicios insignias de la casa, de la misma manera que lo es “Cartas de amor” o “La consulta psiquiátrica”.

El grupo de actores se desplaza en el espacio en punto cero, a una señal del director todos se miran a los ojos buscando la persona ideal para un abrazo, una vez detectada la persona, los dos actores se acercan y se funden en el más humano de los abrazos.

Han habido abrazos de leyenda en nuestro taller, recuerdo uno entre Osvaldo Strongolli y Nicole Pesce, que duró una eternidad y terminó de la más intensa de las maneras.

Pues ayer pasó algo inusitado: Mid y Alejandro se miraron y, cuando fueron a abrazarse, algo pasó en Mid que la paralizó.

Alejandro se dio cuenta que la pequeña colombiana sensual de ojos angelicales lo miraba con repulsión, casi con odio, y comprendió que Mid, aunque lo estaba mirando a él, estaba viendo a otra persona.

El ejercicio fue profundamente conmovedor, un modelo del género, pero no era “Titanic”.

El objetivo había sido malogrado porque se trataba de abrazar, no de aborrecer.

Cada actor tiene un objetivo y sólo uno a cada momento de su cadena de acciones, y no puede ser desconcentrado por sentimientos o recuerdos que vengan a perturbar este objetivo.

Mid pasó de mujer que venía a dar un abrazo a mujer que reconoce su verdugo, su transición fue absolutamente verosímil y elocuente, y le hizo comprender, a falta de cumplir su objetivo, que todo lo importante del actor sucede en su cabeza, el corazón es muy frágil para inmiscuirlo en ese infierno.

La segunda parte del taller fue el trabajo en escena con “Disturbios en la fábrica”, de Harold Pinter.

Se trabajó en dos equipos, bajo la dirección de Yes de la Cruz y Alejandro.

Se sabe lo puntilloso que era Pinter con sus textos, le gustaba que se interpretaran como los había escrito.

Cuando Carolina vio el ejercicio de las mellizas Giraldo, dirigido por Yes de la Cruz, no pudo impedirse de decir: Harold Pinter debe estar removiéndose en su tumba.

La puesta en espacio de Yesler desvirtuaba el realismo de Pinter, conservando su ambigüedad esencial.

Fue un ejercicio de danza-teatro, donde las mellizas desbordaron de sensualidad e ironía, e hicieron gala de su magnífica expresión corporal.

“Lo que más me gustó es que le faltaron el respeto al texto”, dijo Alejandro.

Estos muchachos son definitivamente iconoclastas, rebeldes, irreverentes, y si están estudiando con tanto esmero la academia, es para mejor hacerla explotar en un futuro muy cercano.

Anoche tuvimos la visita de Horacio, joven actor nicaragüense, ojalá que no lo hayamos intimidado y que regrese el próximo martes.

Wednesday, August 5, 2009

Niños kamikazes se explotan en escena con bombas de chocolate


¿Quién puede explicar la diferencia entre fantasía e imaginación?

Con esta pregunta comenzó el curso de anoche en la Alianza Francesa de Miami.

Cada actor dio una respuesta diferente.

Para Alejandro, la imaginación se desarrolla en el campo de los que están en escena, actuando, y va a proyectarse en forma de fantasía en la cabeza de los espectactadores.

Para Najah, la imaginación es la base de la fantasía, y la fantasía un estado avanzado de la imaginación.

Las mellizas Giraldo pusieron como ejemplo la relación imaginación-fantasía en el sexo, ratificando que pueden quitarle a Mayte su condición de sex-symbol del grupo.

Para Yes de la Cruz, una fantasía realizada es un sueño de menos.

Desde su lejana Rusia, Constantin nos dijo que la imaginación crea cosas que pueden existir o suceder, mientras que la fantasía crea cosas que no existen, no han existido, ni existirán.

Sin embargo, ¿quién sabe? Quizás esas cosas puedan existir un día.

Cuando la fantasía creó las alfombras mágicas, quién hubiera pensado que un día pisaríamos la luna.

¿Hay una relación causa-efecto entre la imaginación y la fantasía?

El ejercicio que siguió, aunque al principio no desbordó de imaginación, al final conmovió profundamente, arrancando una ovación sincera, de ésas que no se regalan por cortesía.

Un actor debía ir a escena y tomar una postura, como una foto, que correspondiera a una acción determinada.

Un segundo actor debía tomar la misma postura, y a partir de ella, proponer una serie de cuatro o cinco acciones que completaran la foto del primer actor. Una vez completadas sus acciones, el segundo actor se detendría, como en una foto.

Un tercer actor agregaría a la foto del segundo actor otras acciones que dieran más información sobre la historia de este personaje.

Hasta que pasaran todos los actores, el último sería el encargado de darle un final a la historia.

Fabiola fue la primera en venir a escena y propuso una foto de una mujer que había caído al suelo, y que miraba horrorizada algo o alguien que se le venía encima.

Los actores fueron pasando, construyendo, agregando, componiendo los pedazos terribles de la historia.

Yalis debía finalizar el ejercicio, pero Mid, que había pasado justo antes, había matado el personaje, dejándolo inerte en el suelo.

Todos pensamos que Mid había terminado el ejercicio antes de tiempo, dejando a Yalis sin poder dar un final digno de ese nombre.

Sin embargo Yalis se acostó, en la misma posición que Mid le había dejado, y todos vimos brotar el espíritu, el alma de la muerta, cuando Yalis se puso de pie y se quedó mirando el cadáver con tristeza.

De la imaginación de Yalis surgió una fantasía, un universo que nos conmovió a todos, por eso aplaudimos tanto.

Después llegó la hora de llevar más lejos la exploración de la relación fantasía-imaginación.

Y ahí fue donde vino el ejercicio de "La máquina de sacar leche", de Mid.

Un actor debía ir a escena e improvisar un gesto claro y repetitivo, acompañado de un sonido vocalizado. Un segundo actor debía conectarse sobre el gesto y la cadencia del primero, y crear una continuación, le seguiría un tercer actor, y un cuarto, y un quinto, hasta que todos se conectaran entre sí, conformando una gran máquina soplante, trepidante, con pistones y manivelas por doquier.

Se conformaron varias máquinas: "La máquina procesadora de engendros del año 2038", de Alejandro; "La maquina machacadora de testículos", de Carolina, y una que nos mató de risa: "La máquina de sacar leche", de Mid.

Al principio todos creímos que íbamos a ver la mecanización de una orgía, sin embargo, mientras más actores se sumaban al engendro, más compartimientos surrealistas surgían.

Se trataba de una gran máquina ordeñadora, pasteurizadora, envolvedora, procesadora, una locura estridente y sincopada.

Nos morimos de la risa y aplaudimos la certeza de haber compuesto poesía en el espacio.

Por la gracia absolutoria de la imaginación, nos convertimos en niños kamikazes, que se explotan en escena con bombas de chocolate.

En la segunda parte de la sesión leímos dos textos de Harold Pinter: "Disturbios en la fábrica" y el mundialmente conocido"El amante".

Entramos en Pinter con la suavidad de un caníbal que libara el huevo de un ángel, y pusimos "El Amante", entre los posibles textos a montar.

Al final, Najah nos comunicó que dejaría definitivamente el grupo, por razones personales, y toda la emoción de la velada tuvo un sabor menos dulce.

Se va Najah, como vino, con una aureola de magia en torno suyo, con su acento francés y sus ojos de Túnez, con su espiritualidad y su deseo de ser libre, como la geografía de su pájaro atrapado en el espacio.

Este jueves nos volveremos a ver, y quizás a Adi le regrese la voz.

Monday, August 3, 2009

Fiera crónica




Paulina Rubio acaba de lanzar un nuevo disco.

Al que coja por la cabeza se la parte.

Se llama “Gran City Pop”.

Gran de grande, city de ciudad y pop de popurri, que según el diccionario Larousse, es una composición formada de fragmentos o temas de obras musicales. Revoltillo, miscelánea, mezcla confusa.

En este disco Paulina viene con lo mismo de los ocho anteriores, pero de manera diferente.

Esta vez lo que ha cambiado es la estrategia de mercado.

Los productores le recomendaron que dijera que su música es simple, pero es poesía.

Y así lo dijo la diva mexicana en la conferencia de prensa:

“De las diez canciones del disco, yo escribí seis de las letras”.

Paulina escribió seis letras, y de las seis, la primera es la M y la última es la A.

La poesía de Paulina Rubio está a la altura de las grandes poetisas del continente, Sor Juana Inés de la Cruz y Gabriela Mistral, cuando se acuestan.

Analicemos los versos de su canción “Algo te di”:

“Cierro los ojos sin mirar atrás

Las cosas buenas pasan más y más

Y tus errores tienen la virtud

De hacerme mal”

Un gran poema: Paulina da la impresión de escribir con la misma voz que canta.

Una voz... destemplada.

La canción se llama “Algo te di”, y empieza por “cierro los ojos sin mirar atrás”.

O sea, que se trata de una entrega que ella hace con los ojos cerrados, para no mirar al que tiene detrás.

“Las cosas buenas pasan más y más”, aquí Paulina habla de la fluidez de lo
que le está pasando esa persona a la que no quiere mirar.

“Y tus errores tienen la virtud de hacerme mal”, aquí la poeta dice que aunque la persona se ha equivocado y a ella le duele, la cosa está buena.

Paulina Rubio más que una poeta es una "peota".

Así le gusta bailar y cantar: "en peota".

Incluso, confesó modestamente que, al igual que Michael Jackson, espera que su música sea un legado que siga escuchándose después de su muerte.

Paulina, quiero asegurarte que tu música se escuchará después de tu muerte, la prueba es que millones de gente piensan que eres una muerta y todavía se te oye.

El funeral nacional de Michael Jackson tuvo lugar en el Estadio Staples Center, tu funeral pudiera ser en el Estadio Nacional, para que se te destape el centro.

La diva suele compararse con el Rey del Pop en torno al "dolor de la fama":

"A mí también me han levantado calumnias, las calumnias de Michael lo llevaron a juicio; mi calumnia me ha llevado al masajista, porque me duele de tanto bailar".

Paulina Rubio es un ícono con el que se identifica gran parte de nuestra juventud.

La esperanza de muchos mexicanos, es que la "fiebre Paulina" sea más fuerte que la fiebre porcina.